Edvard Munch, Norwegens berühmtester Maler, insbesondere für das ikonische Werk “The Scream”, kämpfte Berichten zufolge mit Depressionen und Angstzuständen und möglichen bipolaren Störungen. Er erlitt mehrere schwere Tragödien in seinem frühen Leben, wobei seine Mutter und seine Schwester im Alter von 5 bzw. 14 Jahren an Tuberkulose erkrankten. ein anderer Bruder starb kurz nach der Heirat, und eine andere Schwester kämpfte mit Geisteskrankheit. Diese Traumata beeinflussten die dunklen Themen seines Werkes während seiner wohl bekanntesten künstlerischen Periode mit seinen mageren, toten Figuren.
Munchs Lebenszeit überbrückt die katastrophalen Verschiebungen vom Viktorianismus zum Modernismus ebenso wie seine einzigartige Version des Expressionismus. Seine wohl fruchtbarste und wohl visionärste Fin de Siecle-Periode, die Serie “Frieze of Life”, zeichnet fast cartoonartig die dunkelsten Ängste der menschlichen Psyche auf. Die Offenheit an und für sich ist eine verheerende Aussage; der Schrei ist die explosiv wörtliche Ikone der modernen Angst, bevor solche wörtlichen Ausdrücke existierten. Leider ist es implodiert zu seiner eigenen Wirkung; Post Post Post Ironischer Modernismus hat den Schrei in einen ungewollt urkomischen “Helden” des Nihilismus verwandelt, zu dem wir alle in dieser Zeit der langen Lebensspanne und des schnellen, leicht zugänglichen Lebens taub geworden sind. Aber als der Schrei zum ersten Mal ins Leben gerufen wurde, war es kein Lachen.
Eine MOMA-Retrospektive von Munchs Arbeit, die im Jahr 2006 stattfand, hielt an der Chronologie von Munchs Entwicklung fest, da sie parallel zum historischen Bewusstsein selbst stattfand. Diese Erzählung von Gemälden brachte neue Einsichten, die ich nicht bemerkte, als ich 1996 im Munch Museet und in der National Gallery in Oslo, Norwegen, eine Vielfalt seiner Meisterwerke und Zeichnungen sah. In Oslo beeindruckte Sie die Kunst mit frischen Einflüssen und kräftigen Farben. Seelenschrecken und gequälte Sehnsüchte. Der berühmte Originalschrei saß in einem Raum mit anderen zufälligen Gemälden in einem kleinen würdigen Raum; Die ikonische Arbeit wurde hinter dickem Glas und einem alten Rahmen abgedeckt. Es war vor kurzem aus dem Land der Diebe zurückgekehrt und sah noch mehr erstickt und gefangen hinter den starren Insignien. Um nicht enttäuscht zu werden, raubten Diebe 2006 eine weitere Kopie des Munch Museet, die zwei Jahre später wiedergefunden wurde.
In dem leeren, hohen MOMA-Raum erschienen die Bilder seltsam verloren und doch auch ziemlich interessant, denn auch hier übertrug die Qualität ihres Stils auf interessante Weise, die selbst Munch nie vorhersehen konnte, ähnlich wie das Schicksal des Schreies. Es gab einige frühe Klänge in impressionistischen Techniken, sogar Pointillismus im Seurat-Stil während seiner frühen 20er Jahre, friedliche viktorianische Stadtszenen und Porträts, die schon damals mit einer gewissen Ungeduld und Instabilität der Linie gemalt wurden, als ob die Phasenverschiebung bereits unter etablierte Hinweise. Schnell in den 1890er Jahren brach sein Markenzeichen aus, die schmierigen, fast Goya-artigen Figuren verflachten zu seiner eigenen skandinavischen Symbolmenagerie. Quälende schmerzhafte, traumatische Szenen seiner Kindheit und romantische Misserfolge blähten sich auf großen Leinwänden. Schattenhaft, mystisch, symbolistisch und totemistisch, aber auch erschreckend offensichtlich und offen. Der moderne Horrorfilm beginnt hier mit mageren Totenkopfgesichtern des Todes; beide wahren Szenen seiner sterbenden Schwester und Mutter und Geister Szenen von zufälligen Menschen in Städten, ländlichen Häusern, Wäldern, keine Flucht vor dem Sensenmann. Das Gespenst des langen kalten Winters durchdringt sogar die kurzen Einblicke in die Sonne und das potentielle Leben in einem Gemälde eines jungen Bauernpaares, das in Farben der aufkommenden Dämmerung und Abenddämmerung oder eines jungen Mädchens an einem mondbeschienenen See gesungen wird. Liebesszenen sind durchdrungen von unerwiderter Sehnsucht, die Gesichter gehen auseinander. Frauen werden immer in verschiedenen figurativen Zuständen dargestellt; gespenstisch, verträumt, unschuldig oder vampirisch. Sie sind immer ephemer und verblassen, aber ihre Prägungen sind lebendig, überlebensgroß.
Munch wurde um 1908 wegen eines Nervenzusammenbruchs in ein Krankenhaus eingeliefert. Seine Post-Break-Art-Kunst, die weniger berühmt und visionär als seine Frieze des Lebens ist, ist faszinierend in ihrer Entwicklung bis ins 20. Jahrhundert zu beobachten. Die Striche wurden bruchstückhafter, schwankend, als hätte sie eine neue Energiefrequenz erreicht. Die Farben wurden deutlich heller, optimistischer. Seine Themen waren eher alltägliche Naturszenen oder Porträts. Er bewegte sich am schwarzen Loch vorbei, der dichten Dichte seiner tragischen »Jugend« in einem zersplitterten, schillernden neuen Geisteszustand. Seine Selbstporträts spiegelten diese Reise wider und bewegten sich in seinen früheren Arbeiten über faszinierende dunkle Kameen hinaus, um Visionen von sich selbst in der Hölle zu offenbaren und dann zu ruhigeren, reiferen und sachlicheren Darstellungen. Sein letztes Selbstbildnis war sein letztes Meisterwerk, eine Zusammenfassung des Wohnsitzes seines Künstlers und seinerseits seine ganze Karriere, ein heller, gelber Raum, eng und tief, wo er in der Mitte steht, alt, aber unerschütterlich, den Kopf nach oben gerichtet Markenartikelstil, der dem Betrachter frontal gegenübersteht, sich aber auch darüber hinaus bewegt, wie das Mädchen in der Stimme.
Irgendwie gelang es Munch inmitten von intensivem Kummer und Tod und seinen eigenen Kämpfen mit Geisteskrankheit und Alkoholismus, als ein langlebiger Künstler mit einiger Berühmtheit zu überleben und sogar den fallenden Nazi-Vorhang zu überwinden. Survival erzeugt seine eigene Aussage. Er öffnete die Tür zur modernen Ära und fand statt Pandoras Box das weiße Licht der persönlichen Evolution.
