Selbstkreation und Selbstzerstörung: Der Fall von Sylvia Plath

Die Dichterin Sylvia Plath konnte die selbstzerstörerischen Gefühle nicht in die Schöpfung verwandeln.

Die Dichterin Sylvia Plath konnte die Schöpfung nicht in die Selbstschaffung verwandeln, die Konstruktion neuer und wertvoller Aspekte von Persönlichkeit und Emotion. Obwohl viele ihrer Gedichte voller lebendiger und wunderschöner Bilder sind, gibt es eine weitere Belastung in ihrer Arbeit, die, glaube ich, im Alter von 31 Jahren ihren Selbstmord vorhersagt. In vielen ihrer Gedichte sind starke Triebe zur Zerstörung sowie zur Schöpfung zu finden. Es gibt neue Bilder von der ominösen, tödlichen Seite von heimeligen Küchensachen sowie von lebenden Körpern und Blumen. Diese Bilder verwandeln sowohl das Lebende als auch das Tödliche. Sie machen den Tod schön und das Leben bedrohlich.

Die ruhigen, resignierten Rhythmen ihrer Linien stehen im Kontrast zu der Bitterkeit, dem Groll und dem Hass in den Worten und der Zerstörungskraft hinter den Worten, was eine fremde Aufregung und Vitalität hervorruft. Während ihre zerstörerischen Gefühle oft zu poetischen Schöpfungen zusammengefügt werden, werden diese Gefühle kaum durchgearbeitet und es gibt wenig Hinweise darauf, dass die psychologischen Quellen ihrer Sorgen nicht entdeckt wurden. In einem der Gedichte, die sie kurz vor ihrem Tod schrieb, „Edge“, gibt es zum Beispiel auffällige Exzesse;

Sylvia Plath

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Quelle: Albert Rothenberg

Die Frau ist perfektioniert.

Ihr tot

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Körper trägt das Lächeln der Vollendung,

Die Illusion einer griechischen Notwendigkeit

Fließt in den Rollen ihrer Toga,

Ihr bloß

Füße scheinen zu sagen;

Wir sind so weit gekommen, es ist vorbei.

Jedes tote Kind rollte sich zusammen, eine weiße Schlange,

Einer bei jedem Iittle

Kanne Milch, jetzt leer.

Sie hat gefaltet

Sie als Blütenblätter in ihren Körper zurück

Von einer Rose in der Nähe des Gartens

Versteift und Gerüche bluten

Aus den süßen, tiefen Kehlen der Nachtblume.

Der Mond hat nichts zu beklagen,

Starrte aus ihrer Knochenhaube.

Sie ist an so etwas gewöhnt.

Ihre Schwarzen knistern und ziehen.

Das Gedicht beginnt mit den schönen, aber kühlen Linien:

Die Frau ist perfektioniert. Ihr tot /

Körper trägt das Lächeln der Vollendung…

Betrachten wir diese Zeilen im Nachhinein, mit dem Wissen um ihren Selbstmord kurz danach, können wir natürlich eine klare Aussage über ihre Absicht erkennen. Aber das ist nicht der Übermaß, von dem ich spreche, weil die Linien trotz ihres makabren Tones poetisch sind. Sie sind paradox und etwas aufregend; Sie regen einen Gedankengang an. Aber bald nach diesen Zeilen finden wir Folgendes:

Jedes tote Kind rollte sich zusammen, eine weiße Schlange

Einer bei jedem kleinen

Kanne Milch, jetzt leer.

Sie hat gefaltet

Sie als Blütenblätter in ihren Körper zurück

Von einer Rose in der Nähe des Gartens

Versteift und Gerüche bluten…

Ich glaube, dass diese letzteren Zeilen unkreativ sind, weil die Destruktivität in ihnen übertrieben und außer Kontrolle geraten ist. Die Kinder werden in den Körper der Mutter zurückgeführt, nur weil sie nichts mehr geben kann. Sie und ihre Brüste – die Krüge der Milch – sind leer und ausgetrocknet. Die Kinder sind in ihren Leib zurückgezogen, in die Vergangenheit, woher sie kamen. Sie werden einfach zerstört, weil sie zerstört wird. Man nennt sie auch Schlangen, einen Namen, dessen Negativität in diesem Zusammenhang durch das Adjektiv „Weiß“ nur geringfügig moduliert wird. Parallel zu den destruktiven Überschreitungen in diesen Zeilen sind die eingeführten poetischen Bilder inkonsistent und erschütternd. Schlangen passen nicht zu Krügen mit Milch, und die Blütenblätter der Rose schließen sich nicht wie einige andere Blütenblätter. Es scheint, dass die Rose in erster Linie wegen ihres Reims mit „nahe“ verwendet wird. Ein solcher Sinn, der von der Bedeutung abgegrenzt ist, ist ausgesprochen unpoetisch und unkreativ. Die Bilder und Metaphern sind fragmentiert und die Ideen sind destruktiv.

Ich möchte auf diese besonderen Linien aufmerksam machen, um zu zeigen, wie prekär das Gleichgewicht zwischen Zerstörung und Schöpfung in der Kunst sein kann, ebenso wie das Gleichgewicht zwischen Selbsterschaffung und Selbstzerstörung im Leben prekär sein kann. Sylvia Plath beginnt ihr Gedicht mit einer Behauptung des Triumphs über den Tod, dem „Lächeln der Vollendung“, aber sie kann ihren Triumph nicht weiter tragen. Ein Gefühl des Triumphs über den Tod ist normalerweise mit einem subjektiven Gefühl der Freiheit verbunden – für die meisten von uns. Aber in diesem Gedicht gibt es keine Freiheit; Es gibt nur das Zurückbringen der Kinder zu ihren Ursprüngen, zurück in die Vergangenheit.

Ted Hughes

Quelle: Albert Rothenberg, mit Genehmigung verwendet

Es besteht Grund zu der Annahme, dass das Problem mit zerstörerischen Gefühlen, das in diesem Gedicht enthalten ist, Sylvia Plaths Probleme mit destruktiven Gefühlen in ihrem Leben sehr gut widerspiegelt. Sie beging ungefähr sieben Monate nach der Trennung ihres Mannes, des Dichters Ted Hughes, Selbstmord. Sie ist mit der totalen Verantwortung für die Betreuung ihrer beiden sehr jungen Kinder verbunden und scheint ständig in einen Kampf mit ihren feindseligen Gefühlen verstrickt zu sein. Viele ihrer unvollendeten Gedichte – möglicherweise unvollendet, weil sie so schmerzlich persönlich waren – deuten auf einen solchen Kampf hin, und auch die Umstände ihres Selbstmordes deuten darauf hin. Hier ist ein Auszug von einem:

Sie hasst

Der Gedanke an ein Baby

Stealer von Zellen, Stealer von Schönheit –

Sie wäre lieber tot als fett,

Tot und perfekt wie Nofretete

Sie machte früh am Morgen Gas, während die Kinder in der Nähe schliefen, und machte keine Vorkehrungen, um sie vor den Dämpfen zu schützen, die ihr eigenes Leben kosteten. Sie haben eher durch Zufall als durch Design überlebt. Es ist unmöglich zu wissen, ob sie bewusst beabsichtigte, ihre eigenen Kinder zu ermorden oder nicht, aber es besteht wenig Zweifel an dem Ausdruck solcher zerstörerischen Gefühle gegenüber Kindern in dem Gedicht „Edge“ in die Mutter, aber sie werden trotzdem ermordet.

Ich glaube, dass Sylvia Plath ihre zerstörerischen Gefühle in diesen Zeilen nicht in poetisches Schaffen verwandeln konnte, da sie Poesie hauptsächlich dazu verwendete, um sie zu kontrollieren und nicht zu erschaffen. Mit anderen Worten, sie versuchte, destruktive Gefühle in poetischer Form auszudrücken, um sie zu vertreiben und zu veräußern. Ein solcher Versuch des indirekten Ausdrucks dient nur dazu, die Gefühle zu kontrollieren, anstatt sie zu verändern. Es strebt nach Gleichgewicht, einem statischen statt einem progressiven Zustand. Gute Poesie tut das nicht; es versucht, sich den Gefühlen zu entziehen, sie zu verstehen oder sie progressiv einzusetzen. Gute Lyrik zu schreiben, bedeutet, dass sich der Dichter durch ein gewisses Verständnis und eine Bewegung in die Zukunft bis zu einem gewissen Grad von der Vergangenheit befreit. Eine der Quellen unserer eigenen Freude an der Dichtung ist unsere stellvertretende Identifikation mit dem Kampf des Dichters um Verständnis und Freiheit. Im Falle dieses besonderen Gedichts konnte Sylvia Plath die Destruktivität nicht vollständig in die Schöpfung verwandeln und sich nicht genug von der Vergangenheit befreien, um sich in die Zukunft zu bewegen. Wie wir jetzt wissen, bedeutete dieser Staat ihre Selbstzerstörung.

So wie ein übermäßiges Kontrollbedürfnis die Umwandlung von Destruktivität in die Schöpfung in der Kunst behindert, so behindert es auch die Umwandlung selbstzerstörerischer Gefühle in einen Prozess der Selbstschaffung im Leben.