Virtuosität: Tugend oder Laster?

Die Forschung lernt mehr über die “Lizenz des Schauspielers”

Virtuose Viol

Quelle: Weltwirtschaftsforum / Flickr

Virtuose musikalische Darbietung. Es ist das Zeug aus Hollywood-Filmen: Ein außergewöhnlich hingebungsvoller Musiker kämpft durch Widrigkeiten, um eine erstaunliche Leistung zu erbringen, die alle begeistert, einschließlich derer, die zuvor den Fortschritt des Musikers angezweifelt oder sogar behindert haben. Es ist David Helfgott, der die Klavierwerke von Liszt und Rachmaninoff im Oscar-nominierten Film Shine 1996 in Angriff nahm (der Helfgott-Portrayer Geoffrey Rush gewann den Oscar als bester Hauptdarsteller). In jüngerer Zeit, im Whiplash von 2014, ist es das Trommeltalent Andrew Neyman (gespielt von Miles Teller), das sich jeder Härte unterzieht, die seine Performance-Fähigkeiten verbessert, selbst die missbräuchliche Erziehung des Elite-Konservatoriumslehrers Terence Fletcher (ein weiterer bester Schauspieler-Oscar-Gewinner JK Simmons).

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Bevor sich moderne Hollywood-Filmemacher zu den Virtuosen wandten, um Oscar-Begeisterung zu finden, waren diese musikalischen Wunder beliebte Gäste in der Ed Sullivan Show. Zu den virtuosen Künstlern zählten in den 1950er und 60er Jahren die Geiger Itzhak Perlman und Michael Rabin, die Pianisten Roger Williams und Alan Kogosowski sowie die Trompeter Dizzy Gillespie und Al Hirt. Und lange vor dem Aufkommen der Kinofilmtechnik waren musikalische Virtuosen das Zeug der Legenden. Die Aufführungen des Violinisten Niccolò Paganini aus dem 19. Jahrhundert waren so erstaunlich, dass die Menschen glaubten, er sei vom Teufel besessen. Als die Gitarrentechnik des Bluesman Robert Johnson unfassbar gut wurde, glaubte der Rolling Stones-Gitarrist Keith Richards, als er eine Johnson-Aufnahme hörte, dass zwei Gitarristen spielten (Bockris, 2003, S. 43) – die Legende seiner Kreuzungen handelt von der Teufel wurde geboren.

Die atemberaubende Performance ist eine bewährte Methode, um das applaudierende Publikum auf die Beine zu stellen. So sehr Musikfans es lieben, ihre Gefühle von der musikalischen Ausdruckskraft eines Interpreten bewegt zu werden, ist es unwiderstehlich, eine Live-Show technischer Zauberei auf der Bühne zu erleben. Es kann aufregend sein, beeindruckend, sogar jenseits der Welt. Auf diese Weise ist es leicht zu verstehen, warum Menschen – insbesondere diejenigen des 19. Jahrhunderts – sich als übernatürlich erweisen würden, um Virtuosität zu erklären.

Übernatürliche Phänomene waren keine der Erklärungen, die kürzlich in einer Sonderausgabe der Forschungszeitschrift Musicae Scientiae untersucht wurden . Die Sammlung von Forschungsartikeln bot jedoch eine interdisziplinäre Betrachtung von Virtuosität, die Perspektiven aus Psychologie, Musikwissenschaft und Kognitionswissenschaft einbezog.

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Die populäre Anziehungskraft der Virtuosität kann aus psychosoziologischer Sicht als eine Form des Phänomens der Idolisierung verstanden werden (Parncutt, 2018). In der gesamten Menschheitsgeschichte war der Götzendienst in den Subkulturen Schauspiel, Musik, Sport, Politik und natürlich der Religion präsent. Die wichtigsten Ansätze, mit denen sich Fans an ihren Idolen orientieren, sind, viel über sie zu wissen, sie zu verehren, sich mit ihnen einzufühlen, sie nachzuahmen und ihre öffentlichen Auftritte unterstützend zu besuchen. Die Verbundenheit eines Fans mit einem Idol kann eine eingebildete Beziehung zu ihm oder ihr herstellen. Natürlich kann Identifikation zu Besessenheit führen und Fans können sich im Bereich des Celebrity-Anbetungs-Syndroms befinden.

Absorption und Wundergefühle tragen zur Vergötterung bei, was wahrscheinlich ein weiterer Grund dafür ist, dass musikalische Virtuosität oft übernatürlichen Faktoren zugeschrieben wird. Die durch Musik ausgelösten transzendentalen Emotionen können denen ähneln, die Menschen in religiösen Erlebnissen empfinden. Ehrfurcht, Bewunderung und Wertschätzung für das Erhabene erzeugen für die Zuhörer bei einer virtuosen Aufführung äußerst kraftvolle Erlebnisse.

Viele Musiker scheinen dies zu verstehen und beziehen in ihre Definition von Virtuosität das Bedürfnis nach „musikalischem Flair und Showmanship“ ein (Ginsborg, 2018). Einige nennen es einfach “Angeberei”. Und was von virtuosen Darstellern erwartet wird, ist höchste technische Kompetenz. Darüber hinaus muss diese Technik mit Leichtigkeit ausgeführt werden oder, wie ein Gelehrter sie nannte, die “Maske der Nonchalance” (Royce, 2004, S. 18, wie in Ginsborg, 2018 zitiert).

Viele Musiker verstehen zwar das Bedürfnis nach Virtuosität, um für das Publikum „magisch“ zu sein, aber sie verstehen jetzt, dass sie sozusagen hinter der Magie stehen müssen. Denn Entertainer, die auf der Bühne als Zauberer auftreten, werden in Wirklichkeit besser als Illusionisten bezeichnet. In einer kürzlich durchgeführten Umfrage unter klassisch ausgebildeten Musikern hat eine überwältigende Mehrheit die virtuose Performance auf harte Arbeit durch Übung und nicht auf natürliche Begabung oder angeborene Talente zurückgeführt.

In der Vergangenheit hat die kognitive Psychologie aus früheren Forschungen über gezielte Praktiken ergeben, dass der Erwerb körperlicher Leistungsfähigkeiten vom Aufbau kognitiver Fähigkeiten begleitet wird. Dies ist der Fall bei den Fähigkeiten der Virtuosität. Ein Forscherteam, das sich mit Musik auseinandersetzt, befasste sich mit der Frage, wie eine virtuose Performance ein hohes Maß an Flussigkeit haben muss und gleichzeitig darauf zu achten ist, dass sie sich nicht auf gedankenlose automatische Bewegungsabläufe verlassen, die dem Publikum mangelnde Emotionalität nahe legen (Lisboa, Demos & Chaffin, 2018). . Sie kamen zu dem Schluss, dass die moderne virtuose Aufführungsvorbereitung Musiker dazu bringt, die Gedanken und Gefühle zu üben, die sie vermitteln wollen, und sie mit den Aktionen zu verknüpfen, die ihre aufgeführte Musik produzieren. Andere Forschungsergebnisse unterstützen diesen Ansatz und legen nahe, dass eine außergewöhnliche Musikperformance eine mentale Virtuosität erfordert, bei der die Interpreten ihre Aufmerksamkeit während des Musizierens schnell und ständig anpassen, um sich bewusst auf verschiedene Aspekte der Performance zu konzentrieren. Ihr Fokus auf einen Aspekt, auch wenn er nur kurz ist, ist immersiv (Stachó, 2018). Die gleichzeitige Ausführung von Flexibilität und Tiefenschärfe erfordert viel sorgfältige Übung, die durch sorgfältige Zielsetzung und Strategieeinsatz geleitet wird.

Die Performance-Virtuosität in der Musik ist eindeutig ein ausgesprochen kognitives Unterfangen. Es sollte den Musikern als Erinnerung dienen, dass motorische Fähigkeiten besser als psychomotorische Fähigkeiten bezeichnet werden und „Muskelgedächtnis“ (worüber in künstlerischen und sportlichen Leistungskreisen allgemein gesprochen wird) nicht in den Muskeln der Menschen, sondern in ihren Köpfen (in denen das Gedächtnis gespeichert ist) ).

Virtuosität wurde in der Vergangenheit fast ausschließlich von schnellen und brillanten technischen Anlagen definiert. Tatsächlich bezeichneten einige es als “bloße” Virtuosität und stellten es einer bedeutungsvolleren, ausdrucksstarken Musikalität gegenüber. Zum Beispiel schrieb der Klaviervirtuose und Komponist Robert Schumann aus dem 19. Jahrhundert einmal, dass Virtuosität der Musik, die er mit expressiver Poesie verglich, nur wenig zum Nutzen der Kunst beitrug (Stefaniak, 2016, zitiert in Ginsborg, 2018). In ähnlicher Weise behauptete der Romantiker Richard Wagner, dass „wahre große Künstler ihren Ruf der bewegenden Hinrichtung von edlen musikalischen Werken verdanken“, der Virtuose jedoch „rein für sich selbst: hier läuft, dort springt; er schmilzt, er ficht, paws und gleitet, und das Publikum ist an seine Finger gefesselt “(Wagner 1840/1898, zitiert in Ginsborg, 2018).

Jüngste Forschungen zur Bedeutung von Virtuosität unter Musikern haben ergeben, dass traditionelle Konzeptionen traditioneller Virtuositätskonzeptionen neueren, die musikalische Expressivität enthalten, weichen. In dieser neuen Definition von Virtuosität wird technisches Können als Instrument für den Ausdruck musikalischer Ideen betrachtet (Ginsborg, 2018). Zum Guten oder Schlechten entspricht diese neue Definition nicht geänderten Erwartungen, sondern zusätzlichen Erwartungen:

Alles perfekt, fließend und sicher im aktuellen Leistungsstil spielen zu können, ist einfach ein notwendiger Ausgangspunkt, bevor andere Virtuosität zum Tragen kommt. Der moderne Musiker muss also sowohl menschlich als auch übermenschlich, ausdrucksstark und brillant, bewegend und aufregend sein. nicht mehr eins auf Kosten des anderen, sondern beides bei jeder Gelegenheit. (Leech-Wilkinson, 2018, S. 559)

Mit den scheinbar steigenden Erwartungen an Virtuosität in der heutigen musikalischen Welt ist es kein Wunder, dass einige Forscher ihre Aufmerksamkeit auf die Angst gerichtet haben, die das Leben eines virtuosen Interpreten charakterisieren kann. Virtuosität beinhaltet in der Regel ein hohes Maß an Konkurrenz, sei es, ob es sich um relativ wenige Performerpositionen gegen andere Musiker oder um den eigenen Perfektionierungsstandard handelt. Das Virtuosen-Label zu halten verlangt im Wesentlichen, dass Darsteller das Unmögliche tun, und selbst dann wird oft von ihnen erwartet, dass sie es aufregender als andere tun.

In Anbetracht dessen, was seit langem über Virtuosität bekannt ist und was sich aus neuen Forschungsergebnissen ergibt, ist es vernünftig, sich zu fragen, ob Virtuosität – die Forderung der Öffentlichkeit danach und das Streben der Künstler danach – mehr schaden als nützen kann. Zum Abschluss der Sonderausgabe von Musicae Scientiae äußerte sich der Musikwissenschaftler Daniel Leech-Wilkinson direkt zu “The Danger of Virtuosity” und fragte, ob moderne Virtuosität es wert sei:

Klassische Musik ist also in Ausbildung und Praxis von Konformitätsproblemen geprägt; Konformität mit den vorgestellten Wünschen des toten Komponisten, Konformität mit den geltenden Normen (Minimierung der bezahlten Probe) und der Notwendigkeit, die Beschäftigungswerte des Musikstaates aufregender und überzeugender als die seiner Mitbewerber zu klingen. Mit dieser unmöglichen Nachfrage kommen Stress und andere Arten von leistungsbedingten Erkrankungen.

Der beste Ratschlag für Musiker, die sich für virtuose Performance-Fähigkeiten interessieren, ist, sich mit offenen Augen an das Unternehmen zu halten. Um Virtuosität zu erreichen, bedarf es viel Übung. Wie ich bereits in einem früheren Beitrag mitteilte, gibt es eine Reihe guter Gründe, warum Musiker in Erwägung ziehen sollten, weniger und nicht mehr zu üben. Ein Virtuose zu sein scheint den Interpreten mächtige musikalische und emotionale Belohnungen zu bieten, aber ein Virtuose zu werden, ist mit erheblichen Kosten verbunden.

Copyright 2019 Robert H. Woody

Bildquelle: Flickr Creative Commons

Verweise

Bockris, V. (2003). Keith Richards: Die Biografie . New York: Da Capo Press.

Ginsborg, J. (2018). “Die Brillanz der Perfektion” oder “sinnloses Finish” Was Virtuosität für Musiker bedeutet. Musicae Scientiae, 22 (4), 454–473.

Leech-Wilkinson, D. (2018). Die Gefahr der Virtuosität. Musicae Scientiae, 22 (4), 558–561.

Lisboa, T., Demos, AP & amp; Chaffin, R. (2018). Denken und Handeln für virtuose Leistung trainieren. Musicae Scientiae, 22 (4), 519–538.

Parncutt, R. (2018). Mutter-Kind-Bindung, musikalische Götzenanbetung und die Ursprünge menschlichen Verhaltens. Musicae Scientiae, 22 (4), 474-493.

Royce, A. (2004). Anthropologie der darstellenden Künste: Artistik, Virtuosität und Interpretation in einer interkulturellen Perspektive . Walnut Creek, Kalifornien: Altamira Press.

Stachó, L. (2018). Mentale Virtuosität: Eine neue Theorie der Aufmerksamkeitsprozesse und -strategien der Künstler. Musicae Scientiae, 22 (4), 539–557.

Stefaniak, A. (2016). Virtuosität von Schuma nn: Kritik, Komposition und Performance im Deutschland des 19. Jahrhunderts . Bloomington, IN: Indiana University Press.

Wagner, R. (1898). Der Virtuose und der Künstler (W. Ashton Ellis, Trans.). Die Wagner-Bibliothek . Abgerufen von http://users.belgacom.net/wagnerlibrary/prose/wagvirtu.htm (Originalarbeit veröffentlicht 1840).